անգլ. - kathakali

ռուս. - катхакали

Հնդկական ավանդական պարային - դրամատիկական արվեստի տեսակ, որն   առաջացել Է XVII դարում Հարավային Հնդկաստանի Կերալլա նահանգում։ Կաթհակալին պարային դրամա է, որն առանձնանում է իր բարդությամբ․ այստեղ հերոսները սեփական  հույզերը փոխանցում են որոշակի ժեստերի միջոցով։ Սյուժեները որպես կանոն, վերցվում են հնդկական «Մահաբհարատա» և «Ռամայանա» էպոսներից։

Պարն առանձնահատուկ տեղ է զբաղեցնում հնդկական մշակույթում. այն ներառված է աստվածների պաշտամունքի  համակարգում։ Հին ժամանակներից պարը եղել է ծեսերի անբաժանելի մասը, հատկապես՝ Դրավիդյան հարավում։ Հինդուիզմի կրոնական պրակտիկայում պարն անմիջականորեն կապված է եղել Շիվա աստծո հետ: Շիվա Նատարաջան՝ Պարի տիրակալը, ըստ լեգենդի, հորինել է 108 պար՝ և՛ հանգիստ, և՛ մոլեգին: Ենթադրվում է, որ նա ինքն է դրանք կատարում Կայլասա լեռան իր վանքում և հարավային տաճարներում:

Պարն իր հետագա զարգացումն ապրել  է  բուդդիստական կրոնում և դրա միջոցով։ Բուդդայական պարն ազդել է Տիբեթի և ամբողջ Արևելյան Ասիայի, ներառյալ Ճապոնիայի խորեոգրաֆիկ ոճի վրա: Այն գոյատևել է Ճավա կղզում՝ չնայած բնակչության մահմեդականացմանը, և, ըստ մասնագետների, գնչուական պարի միջոցով դա կարող էր ազդել նույնիսկ իսպանական պարի վրա:

Հնդկական պարային համակարգը բարդ, սինկրետիկ արվեստ է, որը միավորում է արվեստի մի քանի ճուղեր: Խորհրդանշական առումով այն չափազանց խրթին է, և ներառում է մարդու մարմնի գրեթե բոլոր արտահայտչամիջոցները։ Հնդկական պարային տեխնիկան ունի  չորս հիմնական բաղադրիչ՝

նրիտտի - պարն ինքնին, այսինքն՝ ազատ,գեղեցիկ և արտահայտիչ շարժումներ։

նրիտիա - պարի թեմայի որոշակի իմաստի արտահայտումը՝ դեմքի միմիկաների, պայմանական ժեստերի, մարմնի խորհրդանշական դիրքերի և աչքերի խաղի օգնությամբ։

թալա - ռիթմի տեսություն և պրակտիկա

նատիա-այն ներառում է  դրամայի և  խոսքի տարրը։

Պարի ևս մեկ շատ կարևոր տարր է աբհինայան-արտահայտություն, որը ձեռք է բերվում կոստյումի, դեկորացիաների, երաժշտության, տրամադրության և զգացմունքների միջոցով։

Հնդկական պարը հնարավոր չէ պատկերացնել առանց ժեստերի արտահայտիչ լեզվի՝ մուդրաների, որոնք հասկանալի են բոլոր ներկաներին:

Ընդհանրապես, հնդկական պարի բարդ բովանդակությունը հասկանալի է միայն նրանց համար, ովքեր ընդգրկված են հինդուիզմի խորհրդանշական արժեքների համակարգում: Հանդիսատեսը առանց բացատրության, հասկանում է իմաստունների լեզուն․  հազիվ նկատելի մեկ կամ երկու ձեռքի շարժում, և ներկաների առջև պտտվում է կոբրա, որը  պատրաստ է հարձակման, կամ եղնիկը քայլում է անտառում, կամ Կրիշնան ֆլեյտա է նվագում: Յուրաքանչյուր պարային տարր ընկալվում է որպես ակնարկ կամ հղում՝ բոլորին հայտնի որևէ առասպելի կամ լեգենդի: Պարը՝ որպես ծեսի մի մաս, մասնակիցների մոտ առաջացնում է տվյալ իրավիճակին համապատասխան զգացողություններ և տրամադրություն։

Կաթհակալիի ակունքներում հնդկական ժողովրդական դրաման և  դրամատիկական ձևեր ստացած, տարատեսակ զվարճանքներն ու պարային ոճերն են: Դրանցից Կաթհակալիի զարգացման վրա առավել անմիջական ազդեցություն են ունեցել Չաքիար Քոթուն, Կուդիյաթամը, Կրիշնաթամը և Ռամանաթամը:

Չաքիար Քոթուն թատերականացված  արվեստի տեսակ էր, որը  կատարելու իրավունք ունեին էին միայն մեկ կաստայի՝ Չաքիարի, ներկայացուցիչները: Մալաբարի տաճարներում ելույթ ունենալու նրանց իրավունքը փոխանցվում էր  ժառանգաբար և միայն ընտրյալ, էլիտար հանդիսատեսին էր թույլատրվում մասնակցել այդ խիստ սրբադասված ներկայացումներին, որոնք անպայման տեղի էին ունենում տաճարի տարածքում:

Կերալայում դրամատիկական արվեստը առաջացել է Կուդիյաթամ թատերական ոճից, որտեղ  մի քանի կատարողներ միասին ներկայացնում էին որևէ հանրաճանաչ լեգենդ, ընդ որում  պատմությունը  կարող էր ներկայացվել մի քանի օրվա ընթացքում։ Ներկայացումները տեղի էին  ունենում  բացօթյա վայրերում՝  լուսնյակ գիշերներին։ Այսպիսով դրամատիկական արվեստը՝ մուկհա աբհինայան, զարգացում ապրելով, վերածվում էր բարդ տեխնիկա ունեցող թատերական երևույթի։ Յուրաքանչյուր պերսոնաժ ստանում է  իր բնավորությանը համապատասխան դեմքի գույն, գրիմ և հագուստ։ Իշխող Պերումալները, իսկ հետագայում նաև Չերայի թագավոր Կուլաշեքհարան հովանավորում էին արվեստի այս ձևը:

Կերալայում ձեռնամարտի արվեստի ուսուցումն ու պարապմունքները՝ ֆիզիկական վիրտուոզության շնորհիվ մարմնական և մտավոր կատարելությանը հասնելու  և մտքին էներգիա հաղորդելու միջոց էին հանդիսանում: Դրանով զբաղվում էին  Նայյարները՝ գեղեցիկ ռազմիկների կաստայի ներկայացուցիչները:

Կրիշնաթամը - Կրիշնայի նվիրաբերության  ծեսն է, որը կատարվում էր  Գուրուվայուր տաճարում կամ Կալիկուտի առաջնորդի պալատում։ Այս ծեսը մշակվել է հենց Կալիկուտի առաջնորդի կողմից։ Յոթ գիշեր տևող ներկայացման տեքստը սանսկրիտով էր գրված։

Ռամանաթամը - Ռամ աստծո մասին պատմությունն է։ Այն ստեղծելէ Կոթարակարայի Ռաջը՝ հարավային Կերալայի զինվորական առաջնորդը։  Ավանդազրույցի համաձայն՝ մի օր Ռաջը Կալիկուտի առաջնորդին  խնդրել է, որպեսզի նրա կրիշնաթամ կատարող թատերախումբը ժամանակավորապես  հանդես գա  իր արքունիքում, սակայն մերժում է ստացել։ Վիրավորված Ռաջը որոշում է ստեղծել սեփական պարախումբ, որը կխաղա նմանատիպ ութօրյա ներկայացում՝ հիմնված Ռամ աստծո կյանքի պատմությունների  վրա։ Ռաջը ցանկանում էր «Ռամայանա» և «Մահաբհարատա» էպոսների  պատմությունները վայելել ոչ թե սանսկրիտով, այլ «պարզ», ժողովրդական լեզվով։ Սա դարձավ Կաթհակալիի ավանդական լեզուն, որը պահպանվել է մինչ օրս։ Հասկանալի լինելով ժողովրդի լայն շրջանակներին՝ Ռամանաթամը իր հանրաճանաչությամբ շուտով շրջանցեց Կրիշնաթամին։ Ռամանաթամում սկսեցին օգտագործել միմիկա, ժեստեր, բարդ դիմահարդարում, հայտնվեցին ուղեկցող երաժիշտներ և կերպարներին բնորոշող որոշակի պայմանականություններ։ Շուտով թեմաները սկսեցին ներառել պատմություններ Մահաբհարատայից և Պուրանաներից: Պարային դրամայի այս ձևն աճեց, զարգացավ և հայտնի դարձավ որպես Կաթհակալի՝ բառացիորեն պատմվածք-պիես: 

Թատերական նոր ոճի զարգացմանը մեծ և անվերապահ աջակցություն էին   ցուցաբերում թագավորը և տեղի հողատեր  արիստոկրատիան, որոնք հպարտանում էին տեղական թատերախումբ ունենալու փաստով։ Նրանց թվում էին Կոտայամի Թամպուրանը և Տրավանկորե դինաստիայի որոշ կառավարիչներ, ինչպիսիք են Բալարամա Վարման, Ասվաթի Թիրունալը և Սվաթի Թիրունալ Գամա Վարման: Ժանրի զարգացման գործում մեծ ներդրում է ունեցել նաև բանաստեղծ Իրայման Թամպին՝ թե՛ իր գրական տաղանդով, թե՛ դրամական նվիրատվություններով։ Նման աջակցության շնորհիվ  արվեստի այս ձևը ծաղկեց և ընդլայնեց իր շրջանակը: Հետագայում, թագավորական ընտանիքների իշխանության աստիճանական անկմամբ, Կաթհակալին սկսեց իր տեղը զիջել զվարճանքի ավելի հայտնի ձևերին, և Կաթհակալի կատարողներն այլևս չունեին միջոցներ պարախումբը պահելու համար։ Որոշ տեղերում ներկայացումները դեռ շարունակվում էին, բայց ոչ նույն մասշտաբով։ Արվեստի այս ձևը լիակատար ոչնչացման վտանգից փրկեց մեծ բանաստեղծ Վալաթհոլ Նարայան Մենոնը, ով 1930 թվականին հիմնեց Կաթհակալիի ուսումնական և կրթական կենտրոնը, որը կոչվում էր Կերալա Կալա Մանդալամ: Վալաթհոլի հեռատեսության շնորհիվ, ով Մանդալամ է հրավիրում բազմաթիվ նշանավոր դերասանների և ուսուցիչների, այդ թվում այնպիսի լուսավորիչների, ինչպիսիք են Րավուննի Մենոնը և Կունջու Կուրուպը, Կաթհակալին վերածնվեց, ուժեղացավ և դարձավ մի այնպիսի ուժ, որի հետ չի կարելի հաշվի չնստել:

Հնդկաստանում ընդհանուր թվով կա դասական պարի 6 հիմնական ոճ՝ բխարատանատյամ, կաթհակ, օդիսսի, կաչիպուդի, մոհինիատտամ և կաթհակալի։

Ամենաաշխույժ, կրքոտ և արտահայտիչ պարը Կաթհակալին է։ Ի հայտ գալով 17-րդ դարում՝ այն իր մեջ ներառում էր բանահյուսական տարրեր, մարտարվեստի դրվագներ և պատմվածքի հնագույն ձևեր՝ լավ բեմադրված, հուզիչ տեսարանի տեսքով: Կաթհակալին պարզապես պար չէ, այն ներառում է յոգայի և Այուրվեդայի տարրեր: Որպեսզի դերասանը կարողանա իր մտքերը ազատորեն արտահայտել ժեստերի և միմիկայի միջոցով, նա պետք է անցնի պրոֆեսիոնալ պատրաստվածություն, որտեղ կսովորի ստեծագործական առումով օգտագործել մարմնի և բանականության հնարավորությունները։

Դերասան-պարողի ուսուցումը սկսվում է գրեթե մանկությունից և պահանջում է մեծ ջանք ու աշխատանք՝ ֆիզիկական վարժություններ, յոգական ասանաներ, այդ թվում նաև ամենադժվարները։ Կաթհակալին կատարում են հատուկ դպրոցներում վերապատրաստված տղամարդիկ։ Նրանց կրթությունը սկսվում է 11 տարեկանից և տևում է 5-6 տարի։ Ամեն օր պրոֆեսիոնալ մերսողները նրանց մերսում են՝ օգտագործելով հատուկ յուղեր՝ մկաններն ու հոդերը թուլացնելու և այս ոճով պարելու համար անհրաժեշտ ճկունակություն հաղորդելու համար։

Կաթհակալի պարողների բարդ ժեստերի լեզուն հիմնված է «Hasta Lakshana Deepika» գրքի վրա, որը մշակել է 24 ամենակարևոր հաստաների կանոնները։ Սակայն դրանց հսկայական քանակի պատճառով չի կարելի վստահորեն ասել, որ դրանց ամբողջական ցանկը կաթհակալիում կիրառվում է։ Շատ բան կախված է պարողի հմտությունից և երևակայությունից։

Կաթհակալի թատերախումբը սովորաբար բաղկացած է մի քանի պարողներից, չորս հոգանոց նվագախմբից և երկու կամ երեք ասմունքող կատարողներից, ովքեր ներկայացնում են պատմությունը: Քանի որ Կաթհակալիում առաջնային տեղ է զբաղեցնում մնջախաղը և ժեստերի լեզուն, ուստի կատարողները համարվում են դերասաններ և ոչ թե պարողներ։ Աստեղ պարող դերասանը այնքան վարպետորեն է օգտագործում ժեստերի լեզուն, որ կարող է տպավորություն ստեղծվել, թե նա չի տիրապետում բանավոր խոսքին։

Ժեստերի  լեզուն միմիկայի՝ բարդագույն և պայմանական արտահայտությունների  հետ միասին, կազմում են Կաթհակալի ոճի էությունն ու իմաստը։ Նույնիսկ երբ հերոսը մտածում է, հիշում կամ պլանավորում է ինչ-որ բան, դերասան-պարողը այդ ամենը վերածում է ժեստերի՝ այդ կերպ հանդիսատեսին ներկայացնելով կերպարի մտքի շարժն ու զարգացումը: Երկխոսությունների մի մասը կարող է ներառել պոեզիա՝ գրված հատուկ կատարող կերպարի կամ տեսարանի համար: Կատարողը երկխոսությունը ընդհատում է մաքուր պարային շարժումներով, բայց կարող է նաև շարունակական զրույց վարել ժեստերի միջոցով: Պոեզիայի հատվածները հերթով երգում են երկու երաժիշտներ։ Պարողը մանրամասնորեն մեկնաբանում է այդ հատվածները՝ նախ բառացիորեն յուրաքանչյուր բառը թարգմանելով ժեստերի, այնուհետև նույն բառի մեկնաբանության մեջ  ներառում է իրավիճակը, արձագանքը այդ իրավիճակին, և հնարավոր հետևանքները կամ արդյունքները կապված տվյալ իրավիճակի հետ։ Այսպիսով, համեմատաբար կարճ բանաստեղծական հատվածը պարողի կողմից մեկնաբանվում է բավականին լայն սպեկտրով։

Ներկայացումների հերոսների ամպլուներն են.

Սատվիկ - նուրբ, ազնիվ, առատաձեռն և քաջարի: Դերասանը պետք է արիստոկրատ տեսք ունենա։ Նրա դեմքին կիրառվում է կանաչ շպար՝ պաչխա:

Ռաջասիկ - Նրանց դիմահարդարման կանաչ երանգը՝ «կաթտան» մնում է, ինչի շնորհիվ պահպանվում են որոշ դրական հատկություններ, օրինակ՝ առատաձեռնությունը և  նվիրվածությունը։ Բայց ճակատն ու այտերը կարմիր գծերով խաչված են, ինչը վկայում է բացասական հատկությունների մասին։ Նրանք ընդունակ են զայրույթի, հետևաբար՝ մերկացնում են ժանիքները: Այդուհանդերձ, թեև, սյուժեում նա հակահերոս է, հաճախ հենց դա է դերը, որը ստուգում է դերասանի տաղանդի չափը, այդ իսկ պատճառով Ռաջասիկը երբեմն հանրության սիրելին է:

Թամասիկը կոչվում է «թադի»՝ մորուքավոր։ Նրանք անվերջ զայրանում են ու անդադար հայհոյում։ Չավանդու թադին՝ կարմիր մորուքով հերոսները, նման են դևերին: Այս կերպարը ներկայացնող դերասանը պետք է ունենա հզոր կազմվածք և լինի բարձրահասակ։ Սա ուժեղ, ամբարտավան, հողի վրա ամուր կանգնած անձնավորություն է, որն ունակ է տիրելու և ճնշելու ուրիշներին:

Կարուտա թադի – սև մորուքները՝ ամենաստոր կերպարներն են: Նրանք ամենահիմարն են, զայրույթի ու տգիտության մեջ՝ անսանձ։ Նրանց դեմքերը ներկված են ամբողջությամբ սև գույնով և այլ գույների փոքր շիթերով: Կա նաև Կարին, որն ավելի սև և դիվային կերպար է:

Մինակկու- նրանք ներկայացնում են կանանց և իմաստուն տղամարդկանց: Նրանց դիմահարդարումն ունի նարնջագույն հիմք։ Այս դերերի դերասանները պետք է ունենան փխրուն կազմվածք և զուսպ վարքագիծ։ Կաթհակալիի դերասանները կրում են  ավելի համեստ զգեստներ։

Ներկայացումը կարող է տևել մինչ 10 ժամ։ Հնդիկ հանդիսատեսը կարող է նաև վայելել ոչ միայն էպոսի տեսարանները, այլև դասական հնդկական ստեղծագործությունները՝ հարմարեցված Կաթհակալի ոճին:

Դիմահարդարումը - Ժեստերով և մարմնի շարժումներով աստվածների և դևերի հույզերի մասին խոսող Կաթհակալիի պարող-դերասանները դիմահարդարվում են՝ իրենց դեմքերը վերածելով կախարդիչ դիմակի։ Միայն դիմահարդարումը տևում է ավելի քան երկու ժամ։ Նախ բուսական յուղը քսում են մաշկին, ինչը դեմքին լրացուցիչ փայլ է հաղորդում։ Դեմքը գունավորելու համար օգտագործվում են բնական նյութեր՝ տարբեր բույսերի հյութեր, թրջած կեղև, կոկոսի յուղ։ Մինչ բեմ բարձրանալը պարողը կոպի տակ փոքրիկ սերմ է դնում՝ աչքի սպիտակի շուրջ կարմրություն ստեղծելու համար։

Պակկա կերպարները՝ ազնվական հերոսներն ու թագավորները, ունեն կանաչ դեմքեր, կարմիր շուրթեր և բարձր գլխազարդեր: Գոռոզ Կատթի չարագործների ճակատներից սպիտակ բշտիկ կա դուրս ցցված, և ունեն կարմիր բեղեր: Ստոր Կարիսները վախեցնում են իրենց սև դեմքերով, իսկ խոնարհ Մինուկկին առանձնանում է հագուստի պարզությամբ։  Բոլոր դերերը, այդ թվում՝ նաև կանացի, կատարում են տղամարդիկ։

Կապիկ - թագավորները՝ Բալին և Սուգրիվան, ունեն կապիկների ցեղին բնորոշ կենդանական որոշակի հատկություններ, և այնուամենայնիվ Կատհակալի ոճը, մասնավորապես՝ Հանումանը, աստվածային կապիկը Ռամայանայից, շատ հատուկ տեղ է զբաղեցնում մարդկանց սրտերում և Կատհակալի դրամայի ամենասիրված կերպարներից է։ Այդ իսկ պատճառով նա ունի գլխազարդ, տարազ ու դիմահարդարում, որը նման չէ ոչ մեկին։ Նրա մորուքն ու մորթյա բաճկոնը սպիտակ են, դիմահարդարումը շատ գունեղ է, հատկապես այտերին, ճակատին ու քթին։ Դիմահարդարման հիմքը կարմիր և սև է, բայց բարդ սպիտակ նախշը մեղմացնում է այս գույների խստությունը՝ տալով նրան ընդհանուր առմամբ շատ հանգիստ և չեզոք բնույթ: Հանումանի գլխազարդը բաղկացած է գմբեթավոր թագից, որի հարթ հիմքը հենված է գլխին։

Հագուստը-Հագուստի հիմքը  հսկայական կիսաշրջազգեստն է,  որը  կարվում  է տուտուի (բալետի հագուստ) նման։ Յուրաքանչյուր շերտ պատրաստված է հաստ տոպրակներից, որոնց մեջ բրինձ է լցված: Այս բոլոր շերտերը դրվում են կոկոսի մանրաթելով լցված գլանափաթեթների վրա՝ փեշը բարձրացնելու համար։ Իվերջո այս ամենը ծածկվում է  կտորից կիսաշրջազգեստով: Այն ամենից հաճախ լինում է սպիտակ կարմիր զարդանախշերով։ Կիսաշրջազգեստը վերևից լրացնում են վերնաշապիկն ու մեծ քանակությամբ զարդերն  ու  զանգերը։ Հագուստի պարտադիր մասն է  կազմում գլխազարդը՝ կիրիդին։ Հագուստն ու գլխազարդը միասին կշռում են 10-20կգ։

Կաթհակալին թատրոնի բացառիկությունն այն է, որ երգիչները երգը ժեստերի, միմիկայի, շարժման և դրամատիկական խաղի միջոցով փոխանցելիս, դերասանի միտքը, մարմինը և սիրտը միաժամանակ ներգրավված են թեմայի մեկնաբանման գործում։ Նա շփվում է այլ կերպարների հետ և ֆորմալ առումով թատրոնից դուրս է գալիս՝ օգտագործելով ժեստերն ու դեմքի արտահայտությունները՝ ստեղծում է  այն միջավայրը, որտեղ նա ցանկանում է հայտնվել: Նա  ստեղծում է նաև իր դերի համար անհրաժեշտ ռեկվիզիտները՝ օրինակ  ստեղծում է անտառ ու քայլում դրա միջով,  նմանակում է սիրելիին, ապա մոտենում նրան,  բացահայտում է իր գաղտնի ծրագիրը, ապա իրականացնում այն։ Հանդիսատեսի  վրա ազդում է երկու հարթություն՝ դերասանի ստեղծած աշխարհի հանդեպ նրա հավատը և դերասանական մեծ վարպետությունը։  

Ականատեսների վկայմամբ՝ ներկայացումներն կարող են անցկացվել հետևյալ կերպով.

Թմբուկները զարկում են անսովոր ռիթմերով՝ հանդիսատեսին հրավիրելով ներկայացման: Երեկոյան ժամը տասին սկսվում է ներկայացումը։ Մեծ բրոնզե նավթային լամպի լույսը, որի մեջ այրվում են վեց պատրույգներ, միաձուլվում են արևադարձային լուսնի պայծառ ճառագայթների հետ։ Հովանոցի ճակատը ծածկված է վարագույրով, որը երկու կողմից պահում են երկու տղաներ, որոնք, սկզբում թաքցնում են բեմը հանդիսատեսի աչքից։ Բեմի հետևում պատուկկարարանը, երաժշտական ​​գործիքների նվագակցությամբ, երգում է «նանդի», այսինքն՝ օրհներգ՝ ի պատիվ Վիշնուի, որը բաղկացած է դերասանների և հանդիսատեսի վրա Աստծո օրհնությունները կանչող աղոթքից: Սովորաբար նման «նանդին» հորինում է հենց ինքը՝ կաթակալիի հեղինակը, և այս օրհներգը ծառայում է որպես նրա ստեղծագործության ներածություն։ Եթե ​​պիեսում «նանդի» չկա, ապա պատուկկարարանը երգում է Վիշնուի պատվին այլ հեղինակների կողմից ստեղծված բազմաթիվ օրհներգերից մեկը։ Մինչ երգիչը աղոթք է երգում, վարագույրն ընկնում է և ներկաների աչքի առաջ հայտնվում Վիշնու-Կրիշնայից և նրա կնոջ աստվածուհի Լակշմիից կազմված խումբը։ Նրանց կեցվածքը ճշգրիտ պատճենն է այն պատկերների, որոնք հինդու հավատացյալները սովոր են տեսնել տաճարներում: Աղոթքից հետո վարագույրը նորից բարձրանում ու մի քանի վայրկյան անց նորից իջնում է։ Բեմում նույն երկու կերպարներն են. Այս անգամ նրանք արտահայտիչ ժեստերով և մարմնի շարժումներով պատկերում են այն տեքստը, որը բեմի հետևում երգում էր պատուկկարարանը։ Առաջին տեսարանը նախաբանի պես մի բան է։ Այն պատկերում էր Կրիշնայի անխռով հանգիստը, որը նա վայելում էր Դվարկա քաղաքի իր գեղատեսիլ այգում երկնային կույսերի ընկերակցությամբ:

Իրական դրաման սկսվոմ է հետևյալ արարով, որն իր ձևով  և մանրամասնություններով ​​շատ նման է նախաբանին։ Միակ տարբերությունն այն է, որ գործողությունը տեղի էունենում ոչ թե Դվարակայում, այլ Սվարգայի երկնքում, և որ այս տեսարանի հերոսներն են երկնային արքա Ինդրան և դրախտային կույսերը (Ափսարաներ): Ինդրայի և դրախտային կույսերի միջև տեղի ունենում երկխոսություն՝ լի քնքշությամբ և կրքով։ Արարն ավարտվում է ափսարաների պարով՝ ի պատիվ Ինդրայի։ Այս տեսարանը Կաթհակալիի սիրային տարրի տիպիկ օրինակ է: Ինդրայի և դրախտային կույսերի տեսարանի ավարտից հետո երկու տղաները նորից բարձրացնում են վարագույրը։ Հանկարծ երաժշտության բնույթը փոխվում է. հնչյուններից հասկացվում է, որ ինչ-որ սարսափելի բան է տեղի ունենալու: Ճանկերով զինված երկու ձեռքեր անկանոն թափահարում են բեմը ծածկող վարագույրը, այդ ընթացքում կուլիսներում ինչ-որ մեկը նմանակում է առյուծի մռնչյունը։ Վարագույրի վերևում հայտնվում են կանաչ ճյուղեր: Վառվող լամպի կրակի վրա վառոդ են  գցում։ Այն պահին, երբ այն բռնկվում է, վարագույրը ընկնում է, և ցնցված հանդիսատեսի առաջ հայտնվում է ռակշասին (կնոջ կերպարանքով դև)՝ Նակրատունդին։ Նա եկավ Ինդրա աստծո երկինք՝ առևանգելու դրախտային աղջիկներին: Վերջիններս լուռ և սարսափահար կանգնած են նրա առաջ։ Նակրատունդին վայրի պարով հաղթանակ է տոնում խեղճ աղջիկների նկատմամբ և ի վերջո տանում է նրանց․ Ինդրան այդ պահին բեմում չէ:

Վարագույրը բարձրացնում են։ Իսկ երբ նորից իջնում է բեմի վրա երևում են Նակրատունդին, ով գեղեցիկ կնոջ կերպարանք է ստացել, և Ջայանտան՝ Ինդրայի որդին։ Ռակշասին, ճանապարհին հանդիպելով երիտասարդ աստծուն, սիրահարվում է նրան և փորձում է գայթակղել, բայց չնայած իր հմայքին չի կարողանում հաջողության հասնել։  Այդ ժամանակ Նակրատունդին ստանում է իր նախկին դիվային կերպարանքը և Ջայանտին մենամարտի է կանչում։

Նակրատունդիի կերպարանափոխությունները  կատարվում են շատ պարզ ձևով․ վարագույրը մի քանի վայրկյանով բարձրանում է, մի դերասանը մյուսի տեղն է զբաղեցնում, և խաղը շարունակվում է։ Գիշերային ներկայացման գագաթնակետը ճակատամարտն է։ Աղմուկը դառնում է գրեթե խլացուցիչ։ Հասարակությունն անհամբեր սպասում է արդյունքին. Բեմում կատաղի աշխուժություն է, տարազների հորձանուտ, դեպի վեր բարձրացրած սրեր։ Սկսվում է պայքար, որն ի վերջո հանգեցնում է Նակրատունդիի լիակատար պարտությանը։ Ջայանտան կտրում է նրա քիթն ու կրծքերը, (սա այս ժանրի սիրված թատերական հնարքներից է) և գնում է տուն՝ Սվարգայի երկինք՝ դևի ճիրաններից ազատված  ափսարասների հետ։    

Սա թատրոնի մեծ աշխարհն է։ Իսկ իրականությունը գալիս է միայն լուսաբացին:

Օգտագործված աղբյուրներ

1. Լ․ Հախվերդյան., Թատերագիտական բառարան, Երևան - 1986 թ․

2. А.М. Мерварт, Л.А. Мерварт, Б.А.Василева, Н.И. Конрад  «Bосточный театр» / сборник статей. Ленинград - 1929 г.   

Համահավաքող՝ ԳԱՅԱՆԵ Թովմասյան

խմբագրելի

29.11.2024   04:31